COLOR (AZUL AÑIL)


La entrada va con un poco de retraso; pero al final he conseguido subirla. En el trabajo de color a mi compañera Gabriela y a mi se nos dio la opción de elegir color, cosa que a mi me parece más complicada debido a la gran variedad que existe, pero al final decidimos hacerlo sobre el azul añil o índigo, El trabajo debía cumplir los siguientes puntos:

1-Definir el color

2-Explicar como funciona
3-Nombres dentro de esa gama de color
4-Artistas que lo emplean
5-Ese color en la naturaleza
6-En otras culturas
7-Simbologia
8-Literatura, cine, musica
9-Gastronomia
10-Realizar un trabajo creativo con ese color

 1. Definición

El azul añil una tonalidad oscura del color con ligeros matices violáceos, ya que se encuentra entre el azul y el violeta, a pesar de ser un tono azul es un color secundario.

2. Cómo funciona

El añil es un color frío, intenso y profundo. Se encuentra entre el azul y el violeta, por tanto funciona armónicamente con tonalidades azules, lilas y morados.

Es un color que queda muy bien para decoraciones, siempre y cuando sea en grandes superficies y combinándolo con blanco, para que de luz al espacio.

3. Nombres dentro de esa gama de color

El azul añil también puede denominarse índigo y antiguamente se llamaba también glasto; hay otras denominaciones del añil artificial “azul prusia” (por su procedencia) y dentro de su gama se podrían incluir el azul marino y el cobalto.

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4. Artistas que lo emplean

Pablo Picasso empleó este color durante su período azul (1901-1904). Recibe este nombre debido a que durante tres años todos sus cuadros se basan en una gama de azules.

Otros artistas que emplearon este color son Claude Monet y Henry Asencio.

MONET

HENRY ASENCIO

5. El color en la naturaleza

Dicho color proviene de una planta “Indigofera tinctoria”, luego en la naturaleza se presenta en este tipo de plantas; también se presenta en los hongos Hongos “Lactarius indigo “; también se presenta en ciertas aves como el indigobird que es un pájaro con un pecho de color beige y el añil y el plumaje plumas de la cola de color y el Indigo Bunting es una pequeña ave nativa de América del Norte conocida por plumaje de vivos colores del macho.

6. En otras culturas

El azul índigo o añil es uno de los tintes más antiguos utilizados por la India, China, Japón, Mesopotamia y Egipto entre otros.  Lo empleaban para tintura textil e imprenta.

Se cree que la India fue el mayor centro de tintura índigo. La asociación del índigo con la India se ve reflejada  en la palabra griega tintura, Indikon. La India suministró índigo a Europa durante la era Greco-Romana.

Los romanos empleaban el índigo como pigmento de pintura y para uso medicinal y cosmético.

7. Simbología

La simbología que presenta este color es diversa:

·Expansión de la conciencia.

·Evasión, separación, meditación.

·Puede significar un exceso de racionalismo.

·Excluyendo el resto de colores, reflejará un hipercontrol de la    personalidad.

·Transmite cierta riqueza y superioridad.

·Tranquilidad, serenidad.

·El rechazo hacia este color muestra depresión.

8. El azul añil en la literatura, el cine y la música

En mi opinión el azul añil pertenecería a la literatura del romanticismo. Este color es capaz de representar: la tristeza, la melancolía, la nostalgia, lo irreal, el mar. Características presentes en la literatura romántica. De hecho, el poeta romántico Víctor Hugo empleó el color azul para sus poemas, inspirando a otros autores como Rubén Darío.

Respecto a cine, Shutter Island es la película que me recuerda al azul añil, por motivos similares a los expuestos en el apartado de literatura. Shutter Island es una película con intriga, con momentos irreales e ilusorios que confunden y también es melancólica. La película transcurre en una pequeña isla, obviamente situada en medio del mar; esto provoca que sea aún más capaz de asociar la película con el azul índigo.

El caballero oscuro

En el campo de la música, la canción Raein de Ólafur Arnalads, compositor islandés, es la que me lleva al mundo del color índigo. Es una canción con toques melancólicos y nostálgicos.

   

9. Gastronomía

En la gastronomía a parte de en las comidas con pigmentos artificiales de este color como pueden ser las golosinas o los cupcakes, unos científicos descubrieron en 2008 que cuando el plátano está en su punto de madurez al darle la luz refleja una variedad casi negra de este tono.

 10. Trabajo creativo

Nuestro trabajo creativo tiene una parte musical, tocada con piano y una pintura. En ellos hemos intentado transmitir todos los sentimientos y características de las que hemos estado hablando durante toda la presentación.

  

ARTISTAS DE LA SEMANA

Zhang Huan (1965-actualidad): es un artista de origen chino; en el 93 acabó todos sus estudios en artes en Beijing, primero empezó pintando y más tarde acabó dedicándose a la realización de performances, también hace fotografía y escultura; sus obras más destacadas son "espuma" y "12 metros cuadrados". Casi toda su obra esta relacionada con su vida o con la cultura de su país.

Nick Cave (1959-actualidad): principalmente escultor estadounidense , estudió danza y artes; sus obras se caracterizan por las diferentes texturas que adquieren y la mezcla de las disciplinas de la danza y el arte plástico .

 " Mi formación tiene que ver con el arte textil y la danza moderna, y reflexionaba mucho sobre cómo juntar dos disciplinas".

Nicolás Constantino (1964-actualidad): es una artista argentina, su obra se considera la precursora del arte contemporáneo hispanoamericano; su obra principal es fotográfica y es una artista con un gran reconocimiento que ha llegado a exponer en superficies como el MOMA.

Juan Zamora (1982-actualidad): es un artista madrileño formado en el centro CES Felipe II con un master de arte contemporáneo en la UEM; trabaja su obra como composición artística en base al dibujo e intenta hacer lo imaginado en real.

Lucio Fontana (1899-1968): artista Italo-argentino que se dedica principalmente a la escultura y a la pintura, empezando como escultor junto a su padre y más tarde creó su propio estudio adentradose en el arte abstracto y expresionista; su obra se centra principalmente en el especialísimo .

Miguel Ángel Blanco (1958-actualidad): es un artista español con gran vinculación hacia la naturaleza, ha expuesto en museos de gran prestigio; sus obras son siempre relacionadas con la naturaleza " la biblioteca del bosque".

Michael Craig-Martin (1941-actualidad): artista irlandés conceptual y pintor, estudió artes en la universidad de Yale; su obra es influencia del pop art y el minimalismo. Su obra más conocida es la reinterpretación de las Meninas.

Ron Mueck (1958-actualidad): es un escultor australiano sin formación artística, sus obras son de grandes dimensiones en las cuales trabaja con las texturas simulando la realidad (hiperrealismo), su obra maestra es "boy".

Chiharu Shiota (1972-actualidad) : es una artista japonesa, formada en la universidad de Kioto, se dedica a la creación de instalaciones artísticas en las cuales utiliza elementos de la vida cotidiana junto con una mezcla de redes de hilos negros."Memoria de la piel".

Christo y Jeanne-Claude (1935-actualidad): es un matrimonio de artistas que principalmente se dedican a la realización de instalaciones mediante el recubrimiento con tela de grandes monumetos.

TEORÍA DEL 24/10/2014

La clase de hoy viernes iba sobre la textura principalmente.

Textura: material del que están hechas las cosas.

Primero ha empezado con el protocolo de interpretación de una imagen en el cual hay que tener en cuenta:

• ·        Formas.
• ·        Composición.
• ·        Formato.
• ·        Tamaño.
• ·        Textura.
• ·        Color.
• ·        Iluminación.

Sobre la textura hemos visto una cosa muy interesante, que si a una misma forma le aplicas diferentes texturas pueden llegar a ser objetos diferentes,  así por ejemplo una esfera puede llegar a representar distintas cosas dependiendo de la textura que se le aplique; desde una fruta a una pelota.

Hay texturas naturales, artificiales y manuales, esto junto con el color y la iluminación permite interpretar la imagen de manera diferente.

Podemos encontrar diferentes texturas en la naturaleza (suave, áspero, frio, caliente, duro, blando, metálico, húmedo, seco, putrefacto).

EJEMPLO DE TEXTURAS

Hay texturas simuladas o visuales en las cuales el aspecto que da no coincide con como es.

Luego están las texturas reales en las cuales coincide aspecto y tacto.

Y por último la textura ficticia, que es una variante de la real, como en las obras de Ron Mueck.

OBRA DE RON MUECK

Para que se aprecie realmente la textura en una imagen la luz idónea que se debe usar es la “luz rasante”.

Las texturas pueden llegar a ser el elemento principal que componen una obra, así como explican una imagen y permite que se juegue con ellas.

La segunda parte de la clase ha ido sobre tamaño, formato y marco, lo más complicado ha sido encontrar la diferencia entre tamaño y formato, ya que normalmente lo consideramos como si fuera lo mismo; así sabemos que el tamaño son las dimensiones que presenta la obra y que el formato no es solo eso sino que presenta otros factores como la disposición, si es digital o no, la técnica, la forma…por ejemplo la Gioconda tiene siempre el mismo formato aunque puede reproducirse en tamaños diferentes, eso si, siempre proporcionales a su formato original.

El marco no es solo lo que se encuentra rodeando a la imagen, si no que también es todo aquello que lo rodea, es decir, el entorno en el que se encuentra.

Dentro del tamaño de una imagen vemos que las obras de gran tamaño producen un gran impacto visual sobre el espectador , se ve mucho más pequeño que el producto visual, el objeto ejerce el dominio sobre él; aparte se convierten en un evento debido a sus enormes dimensiones, destaca más.

En cambio las obras de tamaño inferior dan la sensación de que el espectador es mucho más grande, se produce una relación intimista.

También hemos visto como se numeran las serigrafías, se ponen el número de reproducciones que hay de la obra y al lado el número que ocupa de ellas, y en las reproducciones fotográficas a parte se pone en tamaño que presenta.

Además de todo esto ha surgido como pregunta de clase que era una performance y una instalación; una instalación puede ser en pequeño o gran formato, el fin de una instalación es envolver tanto a la obra como al espectador y se podría decir que es el conjunto de cosas que rodean a la obra, así como la iluminación que lo acompaña.

EJEMPLO INSTALACIÓN

De hoy podemos sacar que ha sido una clase teórica bastante intensa, pero a la vez muy productiva e interesante, por lo menos para mí. 

ARTISTAS DE LA SEMANA

-YAYOI KUSAMA (1929-actualidad):

es una artista japonesa que se caracteriza por la repetición de patrones en sus obras (sobretodo círculos), es precursora de grandes movimientos contemporáneos como el pop art o el minimalismo. En el año 57 se mudó a EEUU donde recibió influencias de expresionismo abstracto aunque en el 73 volvió a Japón donde adopto un estilo más “conservador”.  Actualmente está ingresada en un psiquiátrico. A esta artista japonesa ya la conocía y me parecía de gran interés desde que ví su colaboración con Louis Vuitton  en el 2012.

-ANDREU ALFARO (1929-2012): 

es un escultor español nacido en Valencia, se caracteriza por realizar esculturas metálicas (acero y aluminio), sus obras son fácilmente reconocibles por sus formas y estructuras.

-MARTIN CHIRINO (1925-actualidad):

es un escultor canario que trabaja principalmente con espirales y como material el hierro y cofundador de “El Paso” (un grupo de artistas de la vanguardia española) .En el año 48 empieza a estudiar Bellas Artes en Madrid.

-POL  BURY (1922-2005): 

pintor y escultor belga contemporáneo; en el año 28 estudió artes en Mons. Estuvo influenciado por el surrealismo y empezó a pintar sus primeros cuadros surrealistas. En el 47 dio un giro a su estilo con la abstracción. En el 53 realizó sus primeras obras móviles, a partir de aquí sus obras tendrían carácter cinético.

PRÁCTICA 4

La verdad es que el  ejercicio de viernes 10 de octubre no lo entendí muy bien. En el tuvimos que hacer 3 cosas en grupos de 3 personas; para realizarlo tuvimos como una hora:

 -1 o 3 figuras dadas en la clase anterior con 3D (hélices, esferas...)

 -1 o 3 una figuras bidimensionales que no se parezcan a ninguna anterior existente.

 -1 espacio vacío que deja un objeto.

Lo único que nos salió fueron las figuras 3D ya que la forma bidimensional tenías un cierto aspecto floral, luego no era algo nuevo y el espacio vacío era realizar el hueco que dejaba un objeto; que más tarde lo intentamos solucionar y algo salió.

Como conclusión podemos decir que la idea del ejercicio estaba bien para entender las formas; aun así el resultado no fue muy fructífero. 

El día 8 de octubre la clase empezó con un vídeo muy mono realizado con la técnica de stop motion en el cual se veía como las cosas inerte cobraban vida; es decir; vemos como se produce una alteración en su forma natural.

La introducción de la clase con el libro de "Planilandia" de Edwin Abbott representa muy bien el significado de la clase, la realidad vista desde las dos dimensiones.

Para continuar la clase dimos el significado de forma: ¿Qué es la forma? La forma es el límite entre los cuerpos y es espacio.

Se pueden distinguir las formas tanto dadas por líneas rectas como por curvas.

También podemos decir que hay formas naturales y formas artificiales; en ambos casos estas pueden ser estables o variables, o sea pueden presentar variaciones en su forma o no.

Las distintas formas que se pueden dar son:

• ESFERA: guarda y protege. Es una figura geométrica que se encarga de cerrar el volumen de una forma simétrica; en ella todos los puntos del espacio son equidistantes.

• ONDA: mueve y comunica. Es la forma más representativa del movimiento.

• ÁNGULO: penetra y concentra. Es una forma de concentrar la fuerza ejercida en un solo punto; donde se concentra la energía.

• HEXÁGONO: pavimenta. Es una forma de ahorrar espacio cuando hay un conjunto de esferas; es decir; la forma que se da al “aplastar” dichas formas circulares se produce un hexágono.

• FRACTAL: íntima .Es una manera de ver un espacio de forma continuada. Son aquellas que se repiten con escalas progresivas, vamos, que crecen con medidas proporcionales.

• PARÁBOLA: concentra un peso en un punto.

• HÉLICE: agarra. Es una estructura que soporta grandes presiones, es decir , para que se produzca su fractura la fuerza aplicada debe ser elevada.

• ESPIRAL: empaqueta. Es una forma de crecimiento sin ocupar mucho espacio.(fuerzas de Coriolis).

     A continuación vimos las medidas de el rectángulo dorado o las medidas perfectas que debe cumplir el mismo, para ello si divides un cuadrado por la mitad y se lo sumas al mismo harían la proporción ideal.

    Y para finalizar vimos un vídeo de las medidas perfectas que se dan en la naturaleza, entre ellas la más importante es la del ser humano y para ello  se hizo una plantilla de proporciones de la cual tomamos referencia, la más relevante es la de "El hombre de Vitrubio" de Leonardo Da Vinci .

El hombre de Vitrubio muestra las proporciones más perfectas; teniendo una impresionante relación de proporciones entres las diferentes partes del cuerpo; entre ellas la más conocida es la repetición de la cabeza otras 7 veces más a lo largo del cuerpo.

Y para finalizar la clase tuvimos que realizar un ejercicio en el cual teniamos que medirnos según las proporciones que presenta el modelo de El hombre de Vitrubio.

EJERCICIO PRÁCTICO 3  

En el ejercicio práctico del pasado viernes 3 de octubre realizamos la propuesta dada en la clase anterior; Había dos opciones a elegir por los grupos formados; una de ellas era realizar distintas clases de fotos con ayuda de los cuerpo; en ellas debíamos representar las distintas composiciones y formas que se pueden dar en una imagen; la otra opción era realizar una especie de “torneo” en el cual se realizan fotografías con la temática de los "7 pecados capitales" y en las cuales  debe presentar alguna característica de las dadas en la clase anterior. Con un tiempo aproximado de una hora y tras la cual se sucedería la exposición de los trabajos.

En nuestro grupo elegimos la dinámica de los pecados; podíamos elegir realizar uno o varios; preferimos hacer solo uno e intentar que cumpliera más leyes;elegimos finalmente "soberbia" ya que era un pecado que tenía mucho juego.

Intentamos que más o menos cumpliera varias características; Podemos ver que es una imagen contrapicada para así dar aspecto de superioridad, así como el bajo horizonte abarcando mayor parte de la imagen las figuras, a parte de eso vemos la jerarquía de los elementos, en este caso las personas son de mayor tamaño que los objetos presentes en ella; también podemos ver como los objetos se encuentran de forma continua uno tras otro aplicando así la ley de Gestalt de proximidad entendiendo todo como un mismo bloque. Dependiendo de quien visualice la imagen se podría decir tanto que tiene composición ascendente como descendente, ya que las cabezas se encuentran una tras otra de forma descendiente y los pies al revés aunque en mi caso yo veo como la imagen se finaliza en un punto de fuga claramente visible; en mi opinión es una imagen abierta, ya que no presenta un espacio cerrado, si no que alrededor suceden mas cosas. 

"La soberbia nunca baja de donde sube, porque siempre cae de donde subió." (Quevedo)

Como conclusión podemos decir que la mayoría de las imágenes cumplen más de una ley y que dependiendo del ángulo desde el cual esté tomada puede adquirir un carácter u otro y a parte de eso a mi me aparecido un ejercicio divertidísimo y el trabajo que han realizado mis compañeros me ha parecido espectacular.

ARTISTAS DE LA SEMANA

Esta semana hemos visto varios artistas de interés; cuyas obras se caracterizan por la orginalidad; son diferentes al resto de las otras. En general he estado investigando sobre ellos y la verdad es que son muy interesantes y es difícil acotar la información sobre ellos.

• RAFAEL MAHDAVI (1946-presente)

 Es un pintor y escultor de origen Mexicano aunque ha vivido en gran parte del mundo; donde se ha educado y ha ido inspirándose. Estudió artes en EEUU . Ha trabajado también como escenógrafo al principio de su carrera y otros varios durante el día para poder realizar su propia obra. a partir de los 70 empezó a hacer pequeñas exposiciones y más tarde trabajó como profesor hasta el 2011.

• ISIDORO VALCÁRCEL (1937-presente)

Es un artista plástico nacido en Murcia en el año 1937, empezó a estudiar arquitectura y artes en Madrid aunque nunca acabó.A comienzos de su carrera su obra principalmente se centra en la pintura y tras varios viajes acabó buscando el minismalismo en sus obras (influencia neoyorquina), sobretodo de carácter arquitectónico.

 “El arte es una acción personal que puede valer como ejemplo, pero nunca tener un valor ejemplar”

• MATTHEW BARNEY (1967-presente)

Es un artista estadounidense que principalmente se dedica a la realización de videos, empezó los estudios de medicina aunque acabó licenciándose en artes ; dentro de sus obras más destacadas ,por no decir la que más está la pentalogía del Ciclo Cremaster; que es un conjunto de imágenes, vídeos y esculturas.